Он был не просто талантливым композитором, но и последователем идей Михаила Глинки - родоначальника русской классической музыкальной школы. Недаром Модест Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем музыкальной правды». Но одной из главных заслуг композитора является любовь и уважение к русской народной культуре, которую он развивал в классической музыке, выводя её на совершенно новый уровень.

Александр Сергеевич родился 2 (14) февраля 1813 года в Тульской губернии. Он происходил из старинной дворянской семьи, его матерью была смоленская дворянка княжна Козловская, а отец происходил из семьи помещиков. С самого детства родители уделяли особое внимание обучению сына не только науке, но и искусству. Сергей Николаевич и Мария Борисовна считали, что музыка является необходимым фундаментом в развитии любого человека, поскольку она помогает воздействовать на детей и воспитывать их. С шести лет Даргомыжский учился игре на фортепиано. Спустя некоторое время родители наняли для обучения сына музыканта Андриана Данилевского. В 12 лет Александр Сергеевич в буквальном смысле заболел музыкой. Очень часто в доме были слышны споры Даргомыжского со своими педагогом, который обучал маленького Сашу технике фортепианной игры, но тот большую часть времени тратил на сочинение собственных маленьких сонат и рондо. Что удивительно, сам Данилевский был против занятий сочинительством своего подопечного. В дополнение музыкальному образованию мальчик начал брать уроки вокала. И ему совершенно не помешал тот факт, что до пяти лет Даргомыжский не разговаривал. В итоге голос Александра Сергеевича навсегда остался чуть хрипловатым и высоким, что, впрочем, не помешало композитору в будущем привлекать публику не только музыкой, но и красотой вокального исполнения.

И лирика, и общество, и государство

Как признавался сам Даргомыжский, судьбоносной в его жизни стала встреча с Михаилом Глинкой, который сумел разглядеть в молодом человеке композитора по призванию. Между Михаилом Ивановичем и Александром Сергеевичем установились тесные дружеские отношения, которые объединила любовь к музыке. Глинка всячески помогал юному композитору, развивал в нём музыкальные навыки, для чего не пожалел даже свои конспекты по теории музыки, записанные на уроках Зигфрида Дена. В то время Глинка работал над оперой «Иван Сусанин» и Даргомыжский, попутно обучаясь, помогал старшему другу во всём: разучивал партии с певцами, репетировал с оркестром и даже подыскивал нужные инструменты.

Поэзия Александра Сергеевича Пушкина в какой-то мере стала настоящим вдохновением в формировании Даргомыжского как композитора в 1830-е годы. Александр Сергеевич написал серию романсов на стихи знаменитого поэта: «В крови горит огонь желанья», «Вертоград», «Ночной зефир», «Юноша и дева», «Я вас любил». Но, помимо лирических произведений, композитор писал и на социальные темы. Так, например, песня «Свадьба» стала настоящим хитом того времени среди студенческой молодёжи. В отличие от коллег, которые предпочитали держаться чисто «музыкального общества», Даргомыжский был завсегдатаем литературных салонов и художественных кружков, на которых нередко аккомпанировал исполнителям, просто играл на фортепиано и скрипке, а порой лично исполнял новые вокальные пьесы.

Особое место в творчестве Александра Сергеевича занимают песни, написанные на слова поэта Алексея Кольцова. Нельзя сказать, что тематика жизни простых людей была в то время популярна. Тем не менее, Даргомыжский передавал драматичность чувств и переживаний русского народа настолько искусно, что такие песни как «Без ума, без разума» и «Лихорадушка» быстро обрели популярность.

«Русалка»

Но, пожалуй, главным произведением в жизни композитора является опера «Русалка», над которой он трудился целых 10 лет! Александр Сергеевич изучал фольклор, чтобы проникнуться тонкостями и особенностями жизни русского народа, лишь после нескольких лет работы он приступил к составлению либретто. В конце 1850-х годов композитора настиг творческий кризис. Тому было множество причин – и, в первую очередь, его угнетало равнодушие со стороны театров и общества к поднимаемой в опере теме. Но он довёл работу до конца, и 4 мая 1856 года состоялась премьера «Русалки». К сожалению, никто из царской семьи или высшего петербургского общества не удостоил своим вниманием ни один из показов, поэтому совсем скоро оперу сняли со сцены.

Истинные ценители искусства обратили внимание на талант Александра Сергеевича. Так, например, в журнале «Русская музыкальная культура» вышла целая статья, посвящённая новому творению Даргомыжского. Её назвали первым значительным произведением со времён «Руслана и Людмилы» Глинки. Но при этом отмечалось, что зрители увидели оперу нового типа – настоящую психологическую музыкальную драму, в которой автору удалось показать полноту многосторонности человеческих характеров. Первый раз на сцене были воплощены не только социальные конфликты, актуальные для того времени, но и демонстрировалась способность человека меняться в зависимости от жизненных обстоятельств. Пётр Ильич Чайковский заявил, что «Русалка» занимает первое место в русской опере после гениальных произведений Глинки.

«Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды»

За свою творческую жизнь композитор уделял внимание даже комическим аспектам нашей жизни. Так, например, немало интереса у общественности вызвала песня «Червяк», в которой рассказывалось о чиновнике низкого ранга, который пресмыкался перед графом. А романс «Титульный советник» стал настоящей зарисовкой из жизни, в которой скромный чиновник страдал от неразделённой любви к генеральской дочери.

В конце 1860-х Александр Даргомыжский начал работу над оперой «Каменный гость» на стихи Пушкина. Композитор поставил перед собой непростую задачу – сохранить оригинальный текст русского поэта в первозданном виде, а также написать на него музыку из одних речитативов, без применения арий, ансамблей или хоров. Но, к сожалению, в то время композитор болел и практически никуда не выходил из дома. Каждого гостя Александр Сергеевич расспрашивал о ходе подготовки к исполнению оперы. Его последней мечтой было желание первым услышать – как публика примет его новое творение.

Но судьба распорядилась иначе. Александр Даргомыжский скончался в январе 1869 года. Согласно последней воле композитора, после его смерти рукописи незавершённой оперы забрали композиторы Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков. Они дописали произведение, а премьера «Каменного гостя» состоялась в узком кругу друзей Даргомыжского в ноябре того же года.

До сих пор многие сходятся во мнении о том, что Даргомыжский был не просто талантливым композитором и новатором, но ещё и тонким психологом, который прекрасно разбирался в людях. Именно в его сочинениях столь богата и многообразна палитра человеческих образов. И всё своё творчество он строил на методе «интонационного реализма», благодаря которому до наших дней дошёл девиз Александра Сергеевича: «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды». И правда была – в каждой ноте его композиций, в каждом слове его песен…

Наша страна переживала нелёгкое время после Октябрьской социалистической революции. Со сменой власти изменилось многое – в том числе и отношение к искусству. Рейнгольд Морицевич Глиэр был одним из первых композиторов, которые стояли у истоков формирования советской музыки. Его главной задачей было сохранение богатейших традиций русской музыкальной школы в сочетании с новым мировоззрением советского народа.

Композитор «вопреки»…

Рейнгольд Морицевич родился 11 января 1875 года (30 декабря 1874 года по старому стилю) в семье мастера медных духовых инструментов  Морица Глиэра. Мальчик с удовольствием проводил время в мастерской, но его привлекало не само создание инструментов, Рейнгольд мечтал научиться «извлекать звуки», его интересовала сама музыка. И это увлечение в семье, мягко говоря, не приветствовалось. Родители буквально каждый день пытались убедить сына, что им нужен наследник, который продолжит дело их рода. После смерти деда у отца дела пошли из рук вон плохо - он регулярно болел и не мог обеспечить выполнение заказов вовремя. Но финансовые проблемы семьи не поколебали намерение Рейнгольда связать свою жизнь с искусством. Он сам отыскивал педагогов, которые почти даром учили мальчика игре на скрипке. Простое увлечение нотной грамотой через некоторое время переросло в знакомство с произведения Бетховена и Моцарта. Уже в 14 лет Глиэр сочинял свою первую музыку.

В 1894 году он уехал из Киева в Москву, где начал обучение в консерватории по классу скрипки, позже прошёл курс полифонии у С. И. Танеева, гармонию постигал у А. С. Аренского и Г. Э. Конюса, а композицию молодому Глиэру преподавал М. М. Ипполитов-Иванов.

«Кого из композиторов ни спросишь, он оказывается учеником Глиэра…»

В 1914 году Рейнгольд Глиэр стал директором Киевской консерватории. Помимо преподавательской деятельности он дирижировал студенческим оркестром и устраивал в Киеве гастроли известнейших советских музыкантов. Но в 1920 году композитор вновь вернулся в столицу. Будучи преподавателем класса композиции в Московской консерватории, Глиэр воспитал известных композиторов и музыковедов  - А. Хачатуряна, А. Давиденко, А.  Александрова, Л. Книппера и других. Сергей Сергеевич Прокофьев однажды написал: «Как-то так выходит, что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается учеником Глиэра — или прямым, или внучатым».

Отец профессиональной музыки советских республик

Вклад Рейнгольда Глиэра в формирование профессиональной музыки Украины, Узбекистана и Азербайджана неоценим. Ещё в детстве композитор любил слушать национальную музыку. Многообразие художественных выражений помогало  Рейнгольду Морицевичу в формировании его мыслей и чувств. Так, например, итогом изучения украинской музыки стали балет «Тарас Бульба», симфоническая картина «Запорожцы» и поэма «Заповiт».

В 1923 году композитор посетил Баку. Поездка подарила Глиэру множество творческих идей и в 1927 году в Азербайджанском театре оперы и балета была поставлена опера «Шах-Сенем». В 1940 году Рейнгольд Морицевич написал увертюру «Ферганский праздник». А в соавторстве с Т. Садыковым было создано две оперы – «Лейли и Меджнун» и «Гюльсара». В 1949 году, к 150-летию со дня рождения Пушкина состоялась премьера балета «Медный всадник».

Долгие годы Глиэр мечтал о том, чтобы национальные мелодии слились в едином музыкальном произведении, которое помогало бы объединять народы под флагом искусства. И творческая фантазия помогла композитору создать «Торжественную увертюру», которая строилась на узбекской, русской, азербайджанской и украинской мелодиях. Вдохновлённый этой идеей, Рейнгольд Морицевич написал ещё две увертюры – «На славянские народные темы» и «Дружбу народов».

Его музыка – всегда праздник

Глиер не причислял себя ни к одной музыкальной школе из существующих в то время, но многие считали композитора последователем М. Глинки, А. Глазунова и А. Бородина. С этими авторами Рейнгольда Морицевича объединяет позитивное восприятие мира, которое передавалось через музыкальные произведения. Никакой злости, горя и страха! Сам Глиер однажды заявил: «Передавать свои мрачные настроения в музыке считаю преступлением». При этом он ещё в консерватории отличался дисциплиной и ответственностью, не любил вечеринки, пиршества, столь привычные в студенческом кругу. Ему было попросту жаль тратить на подобные развлечения своё время.

Рейнгольд Глиэр умер 23 июня 1956 года в Москве. За восемь десятков лет композитор оставил музыкальное наследие: три симфонии, четыре инструментальных концерта, пять опер, шесть балетов, фортепианные и вокальные сочинения для детей, инструментальные пьесы, камерные ансамбли, а также музыка для кино и театра. Последнее выступление мэтра состоялось за 24 дня до смерти. Если взглянуть на жизнь Рейнгольда Морицевича, то можно отметить, что он всегда стремился к совершенствованию и к обогащению собственного миропонимания. Но, не смотря на завидную дисциплинированность, которую некоторые современники воспринимали за чёрствость, Глиэр до конца своих дней оставался добрым человеком – со светлой и поэтичной душой.

После того, как в СССР Дмитрию Шостаковичу запретили исполнять его ранние сочинения, композитор пребывал в настоящей депрессии. Все понимали, что советская цензура проучила Дмитрия Дмитриевича и заодно продемонстрировала другим его коллегам, что заигрывания с государством не приведут ни к чему хорошему. Никто не хотел даже слушать о том, что творчество и идеология, как правило, идут разными дорогами.

После скандальной статьи «Сумбур вместо музыки» в газете «Правда» Шостакович отказался не только от исполнения оперы «Леди Макбет Мценского уезда», но и от премьеры Четвёртой симфонии, поскольку понимал, что власть могла воспринять его вольности в музыке как открытый вызов. И это его угнетало, поскольку композитор никогда не предполагал сочетание политики и музыки в своих произведениях.

В 1937 году на суд публики представлено новое сочинение – Пятая симфония. Она в какой-то мере отличалась от ранних авангардных произведений мэтра, носила драматический характер и была наполнена «классическими» элементами. Сталин лично прокомментировал новую работу: «Деловой творческий ответ советского художника на справедливую критику». К ужасу самого композитора к этой симфонии прикрепили ярлык «образца социалистического реализма в симфонической музыке». Все прекрасно понимали, что Дмитрий Дмитриевич сторонился политики! Это был один из ярких примеров, когда власть использовала человека из искусства с целью пропаганды советских идеалов, при этом Шостакович со многим был не согласен, но открыто противостоять государству не мог. Использование его сочинений в качестве культурной пропаганды доводило Дмитрия Шостаковича буквально до слёз.

В том же году Дмитрий Шостакович стал профессором Ленинградской консерватории. Сначала он преподавал инструментовку, а позже и композицию. Многие отмечали, что его педагогические качества воспитывали в студентах аккуратность и ответственность. Кроме того, к каждому из студентов Дмитрий Дмитриевич обращался по имени отчеству или на «вы». Никто из учеников никогда не чувствовал на себе «оковы академизма». Безусловно, молодые таланты приобретали знания и навыки, упорно трудились, сочиняли музыку, но при этом НИКОГДА не ощущали рамок для творческих экспериментов.

О педагоге судят по его ученикам – это общеизвестно. Дмитрий Шостакович сумел раскрыть талант многих учеников, в их числе: Кара Караев - чья музыка была пропитана этическим смыслом, а её основной темой стала борьба за самое лучшее в жизни - за свободу и любовь, Георгий Свиридов - создатель особого жанра «музыкальной иллюстрации».

Конечно же, работа в консерватории не могла отвлечь композитора от его собственных сочинений. Но Великая Отечественная война изменила всё. Шостакович хотел уйти на фронт, но Военный Совет решил, что страна не может себе позволить рисковать столь талантливым композитором и педагогом, поэтому из Ленинграда его вместе с семьёй эвакуировали в Куйбышев, где в декабре 1941 года была написана Седьмая симфония. 9 августа 1942 года её играли уже в блокадном Ленинграде. Симфония звучала не только в Большом зале филармонии, но и по радио. Под эту музыку люди не сдерживали слёз и не стыдились своих эмоций.

Восьмая симфония и фортепианное трио памяти Ивана Соллертинского, одного из самых близких друзей композитора, по праву считаются настоящими музыкальными шедеврами. Десятую симфонию, написанную в 1953 году, называют «закрытием сталинской эпохи в культуре». А вот Четвёртую симфонию публика впервые услышала лишь в 1961 году.

Композитора без его воли сделали воплощением социалистической музыкальной культуры. Шостаковича заставили представлять в мировом искусстве Советский Союз, что автоматически предполагало поддержание политических позиций страны. Вынужденная необходимость врать угнетала мэтра. Поэтому большую часть своей жизни Дмитрий Дмитриевич избегал журналистов. В его доме на виду всегда лежал особый блокнот, в котором записывались фамилии людей и названия организаций, с которыми композитор категорически не желал общаться. И первый пункт этого списка был таков: «Все газеты и журналы».

В 1971 году здоровье композитора ухудшилось. Но, не смотря на два инфаркта, он продолжал трудиться. Пятнадцатый квартет стал последней работой Шостаковича. Медленная и щемящая сердце музыка словно предрекала окончание жизненного пути. Насмотревшись на ужасы судебных тяжб по поводу делёжки наследства Сергея Прокофьева, он строго-настрого запретил родственникам «повторять» столь порочный путь.

Дмитрий Дмитриевич умер 9 августа 1975 года, не оставив ни завещания, ни устных пожеланий детям. Просил только об одном: «Не занимайтесь моим бессмертием». Но наследие великого композитора продолжает жить.

15 струнных квартетов, 15 симфоний для симфонического оркестра, концерты с оркестром, сонаты для альта, скрипки и виолончели с фортепиано, несколько балетных сюит, два десятках прелюдий – это всего лишь часть богатого наследия Дмитрия Шостаковича. Роль его музыки для мирового искусства трудно переоценить! Но споры о самом композиторе не утихают до сих пор. Кем же он был на самом деле – искусным идеологом или просто влюблённым в музыку человеком?

К музыке через материнскую заботу

Шостакович родился 25 сентября 1906 года в Санкт-Петербурге. И кто знает, как бы сложилась жизнь будущего композитора, если бы не родители – Дмитрий Болеславович и Софья Васильевна. В своих автобиографических заметках Дмитрий Дмитриевич вспоминал, что в детстве его совсем не привлекали ни песни, ни музыка. И даже первое посещение театральной постановки «Сказка о царе Салтане» в 1915 году, скрашенное детской впечатлительностью, не победило нежелание мальчика посвятить свою жизнь музыке. Но мать Шостаковича твёрдо стояла на своём – и уже в 9 лет он вместе с двумя сёстрами сел за рояль. Кто знает, возможно, правильный подход к ребёнку, который могла подобрать только Софья Васильевна, оказался решающим. Дмитрий Дмитриевич кардинально изменил отношение к музыке. Уже через несколько месяцев он начал обучение у известного в то время фортепианного педагога Игнатия Альбертовича Гляссера. В музыкальной школе юный композитор играл сложные произведения Гайдна, Баха и Моцарта.

В 13 лет Дмитрий Дмитриевич поступил Петроградскую консерваторию. Последовав совету директора, он одновременно начал занятия по классу фортепиано и по классу композиции у Максимилиана Штейнберга и Леонида Николаева.

Премьера Первой симфонии Шостаковича состоялась в Большом зале ленинградской филармонии в мае 1926 года. Дебют молодого таланта оценили высокого. Симфонией заинтересовались дирижёры, а через некоторое время её начали транслировать по радио. И даже зарубежный зритель впервые услышал музыку советского композитора в мае 1927 года. В чём был секрет успеха? Возможно, в настоящем весеннем настроении, в оптимизме и свежести звучания.

Шостакович оставил всех с «Носом»

К сожалению, Вторая и Третья симфонии не смогли найти такого же отклика в сердцах публики, поскольку музыка этих произведений казалась многим сложной для восприятия. А вышедшая в конце 1920-х опера «Нос» (по мотивам повести Николая Гоголя и балета «Золотой век») вызвала раздражение у советских цензоров и представителей музыкальной богемы. Шостаковича назвали композитором, подверженным тлетворному влиянию Запада. Якобы эксперименты со звучанием зашли слишком далеко, а модернизм в то время считался дурным тоном. На Дмитрия Дмитриевича сыпались упрёки в «звукоподражании» и противоестественности вокальных мелодий.

Нельзя не признать, что «Нос» восприняли в качестве пародии на оперные формы и саму классическую оперу. Зритель не увидел выдающихся героев. Как и ожидалось, пиршество музыкального гротеска не прошло незамеченным. К сожалению, это была первая и последняя вольность композитора, в которой он смело и откровенно продемонстрировал ужасы и бесчеловечность власти, доставшейся «безликому ничтожеству» в лице бесноватой необразованной толпы.

Игра с идеологией

В 1934 году Шостакович представил оперу «Катерина Измайлова» по сюжету повести Николая Лескова «Леди Макбет Мценского уезда». В этот раз Дмитрий Дмитриевич написал настоящую оперу (а не пародию, как было с «Носом»), украсив её реформаторскими приёмами музыкальных форм. Но главная героиня, Катерина Львовна, у многих зрителей вызывала неоднозначную реакцию. Она совершила два убийства и всё это ради мужчины, который в итоге оказался вульгарным распутником. Никакой романтики и легкомыслия! Советские цензоры были в шоке – «Катерина Измайлова» разозлила идеологов коммунизма до такой степени, что Шостаковичу запретили исполнять ВСЁ, что он написал ранее.

Для некоторых творческих людей цензура - настоящий удар. К счастью, Дмитрий Дмитриевич нашёл утешение в написании музыки к кинофильмам и театральным постановкам. Некоторые критики считают Шостаковича в определённой степени новатором, ведь благодаря ему песня в кино стала восприниматься в качестве музыкального образа главных героев. Так, например, особую популярность в народе приобрели мелодии к фильмам «Встречный», «Человек с ружьём» и «Златые горы».

Современники Шостаковича считали, что самый трудный период в его жизни закончился после написания Четвёртой симфонии и виолончельной сонаты. Композитор остался верен себе, своему особому стилю, но при этом не отказывался от простоты музыкального языка.

Продолжение следует…

Многих удивит, что, оказывается, наша жизнь насквозь пронизана четкими и ясными буквами этого шрифта. Думаю, что его с удовольствием посмотрят не только художники-дизайнеры, но и даже ИП УСНО6% :) «Гельветика» — это полнометражный фильм о типографии, графическом дизайне и визуальной культуре в целом. Сквозь призму распространения одного шрифта, которому исполнилось 50 лет в 2007 году, в фильме рассматривается общий вопрос о том, как шрифт влияет на нашу жизнь.

Фильм представляет собой исследование городского пространства и шрифтов, которые его наполняют, а также цикл бесед с известными дизайнерами об их работе, творческом процессе, выборе и эстетической составляющей шрифтов. «Гельветика» замыкает в кольцо мир графического дизайна, рекламы, психологии и коммуникации и приглашает нас посмотреть под иным углом на тысячи слов, которые мы видим каждый день. Фильм снимался в HD-разрешении на территории США, Англии, Нидерландов, Германии, Швейцарии и Бельгии. Он демонстрируется на кинофестивалях и специальных мероприятиях по всему миру. В съемках «Гельветики» принимали участие самые знаменитые и продвинутые дизайнеры со всего мира.

Ссылка на страницу переводчика фильма.

Оптимизм и искренняя вера в человека красной линией проходят через творчество Сергея Прокофьева. Композитор искал вдохновение в самой жизни, а его произведения стали настоящим явлением в мире музыки. Современники Сергея Сергеевича подчас просто не могли понять неистовую и непривычную жестокость звукосочетаний в его произведениях, а самого композитора прозвали крушителем основ академизма.

Тяга к новизне с самого детства

Знакомство с музыкой у Прокофьева началось с пяти лет. Мальчик проявлял большой интерес к сочинительству и благодаря его матери, которая играла на пианино, к десяти годам он уже написал свои первые оперы – «На пустынных островах» и «Великан». В разное время его учителями были Рейнгольд Глиэр, Николай Римский-Корсаков, Анатолий Лядов, а также Иосиф Витоль и Анна Есипова. Друзья и коллеги отмечали, что творчество Прокофьева пропитано духом созидательной энергии, разнообразно, переполнено лирикой, драматизмом, психологизмом и, конечно же, юмором.

Безусловно, композитор был явлением для своей эпохи, поскольку он раздвинул рамки восприятия музыки, не боялся использовать массу выразительных средств. Каково было молодому человеку, которого всегда тянуло к экспериментам и новому звучанию? Академическая система обучения и по сей день не терпит никаких вольностей, а в то время любое свободолюбие, мягко говоря, осуждалось.

«Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете»

После окончания консерватории Сергей Прокофьев уже закончил работу над несколькими крупными произведениями, с которыми и отправился на концерты в Лондон, Рим и Неаполь. Он не собирал большую публику, но фортепианные вечера русского композитора в каждом городе проходили с успехом. Уже в России Сергей Сергеевич работал над «Скифской сюитой» для оркестра, оперой «Игрок», фортепианным циклом «Сарказмы» и вокальной сказкой «Гадкий утёнок».

Жизнь Прокофьева как композитора в нашей стране никогда не была лёгкой. Его произведения не принимали, осуждали, ругали за непонятные приёмы. В частности, музыка к балету «Ромео и Джульетта» поначалу показалась всем слишком сложной. Оркестр и балетная труппа за две недели до премьеры единогласно решили отменить постановку. Многие тогда шутили: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете». В итоге премьера затянулась на целых пять лет. И лишь неожиданно тёплый приём публики смог переубедить танцоров и музыкантов в том, что новый подход к бессмертному произведению Шекспира лишь продемонстрировал музыкальным консерватором новый взгляд Прокофьева на музыкальное искусство.

Стальной трест

Однако за границей его принимали на «ура»! С 1918 года композитор начал гастроли за границей, которые продлились около 18 лет! С Сергеем Сергеевичем дружили Чарли Чаплин, Анри Матисс, Пабло Пикассо и Артуро Тосканини. Европейская публика проявляла интерес к столь необычной для того времени музыкальной агрессивности. Вот что в 1921 году писала парижская пресса об одном из концертов: «Когда дочка динозавра оканчивала консерваторию, в её репертуаре был Прокофьев... Стальные пальцы, стальные запястья, стальные бицепсы, стальные трицепсы... Это не музыка, а звуковой стальной трест...».

Последние дни с музыкой

Прокофьева тянуло на родину, и он принял решение вернуться домой. «Я должен говорить с людьми моей плоти и крови, чтобы они вернули мне то, чего здесь мне не достаёт – свои песни. Мои песни…» - говорил Сергей Сергеевич.

Но в СССР его ждали неприятные новости. К сожалению, советская идеология не обошла вниманием зарубежные успехи композитора. В 1948 году его обвинили в симпатии к западной культуре. Цензура сделала своё дело. Прокофьев переживал вопиющую несправедливость в государственном масштабе с трудом, нервные срывы подорвали его здоровье. С 1949 года он переехал к себе на дачу в посёлок Николина гора, где жил в полном одиночестве, но даже тогда он не расставался с музыкой. Композитор продолжал работать над оперой «Повесть о настоящем человеке», ораторией «На страже мира» и балетом «Каменный цветок».

Сергей Сергеевич скончался 5 марта 1953 года. Творчество композитора лучше всего можно описать словами самого Прокофьева: «Я не люблю быть в состоянии, я люблю быть в движении». Он радовался жизни, каждый день он пытался видеть в окружающем мире что-то хорошее и, не смотря на политическое давление, верил в человеческие идеалы. Такой же была его музыка – смелой и свободной…

Музыка Георгия Свиридова запоминается сразу. Она наполнена национальным колоритом песенных мелодий, яркими оркестровыми приёмами, при этом весьма строга в отборе выразительных средств. Но в истории русской музыкальной культуры Георгий Васильевич запомнится как создатель особого жанра, который сам композитор называл «музыкальной иллюстрацией».

Георгий Васильевич Свиридов родился в 1915 году в городе Фатеже Курской губернии. Уже в раннем детстве он осознал, что музыка привлекает его больше, чем какое-либо другое увлечение. В начальной школе Свиридов учился играть на балалайке. В 1932 года Георгий Васильевич начал заниматься музыкой профессионально в Центральном музыкальном техникуме города Ленинграда, а в 1936 года поступил в Ленинградскую консерваторию, где первым педагогом у Свиридова был Пётр Рязанов, которого через полгода сменил Дмитрий Шостакович. Как вспоминал позже сам Георгий Васильевич, для него Шостакович навсегда остался мудрым другом, а не просто талантливым преподавателем. Выпускной работой Свиридова стала Первая симфония и Концерт для струнных инструментов. Музыку молодого композитора оценили высоко, что только укрепило его намерение заниматься любимым делом и дальше.

Русское искусство должно быть простым

Свиридов утверждал, что не знает – как рождается музыка. Композитор считал, что это чудо, а способность писать музыку называл даром от Бога. Георгий Васильевич всю жизнь испытывал потребность записывать свои мысли. При этом его дневники наполнены короткими заметками, Свиридов всегда выражал мысли и чувства ёмко и лаконично, вплоть до одного предложения или  короткого афоризма. По такому же принципу он писал и музыку. Пространные формы и «музыка с подводами» были Георгию Васильевичу не по душе. И если мы взглянем на его творчество, то убедимся, что большинство композиций состоят из простых форм. Свиридов объяснял это тем, что русское искусство (и музыка, в том числе) должно быть простым, поскольку считал его христианским. По мнению композитора, музыка должна стремиться к простоте Христа, и никакая двойственность не способна украсить творчество.

«Отчалившая Русь»

Конец 70-х годов ХХ века можно назвать «золотым временем» в творческой жизни композитора. Он писал музыку на стихи любимых поэтов – Блока и Есенина. В 1977 году Георгий Васильевич закончил работу над одним из самых значительных произведений в его жизни. Сочинение «Отчалившая Русь» написано для голоса и фортепиано на стихи Сергея Есенина. Сам композитор называл свою работу «поэмой в 12 песнях». По структуре «Отчалившая Русь» является вокальным циклом, но Свиридов считал её именно поэмой – размышлением о роли поэта в жизни своей родины. Для Свиридова это был своеобразный гимн уходящей России, в котором слились загадочность русской души и миф о граде Китеже.

Пианист Михаил Аркадьев однажды сказал, что Свиридов писал «Отчалившую Русь» с болью в сердце и со слезами на глазах. Премьера состоялась в 1994 году в Лос-Анджелесе. По словам Аркадьева, таланту русского композитора американцы аплодировали стоя. Конечно, Георгий Васильевич был рад, когда его творчеству рукоплескали в США и Великобритании, но он никогда не разделял публику на «своих и чужих».

Духовность вне власти и политики

Творчество Георгия Свиридова было скорее аполитично, поскольку главной темой, которая поднималась почти во всех его сочинениях, была проблема духовности. Но во времена перестройки «досталось» даже ему. Знаменитая заставка программы «Время» («Время, вперёд!») была заменена, поскольку на телевидении посчитали её «духом тоталитарного прошлого», хотя композитор всегда жил только искусством и не использовал его в политических целях. Конечно, через несколько лет сюита вновь стала музыкальной темой выпуска новостей в СССР. Режиссёр Михаил Швейцер отметил тогда, что «Время, вперёд!» несёт в себе пульс жизни, свободной от политической суеты.

Свиридов искренне верил в то, что русская культура неотделима от чувства совести. Композитор предостерегал будущие поколения от нравственного кризиса. Его особенно расстраивало то, что в начале 80-х годов стало популярным и модным высмеивать русскую песню и «русскую интонацию». Это шутовство, которое и по сей день сохранилось на российской эстраде, приобрело поистине катастрофические масштабы не только в музыкальном искусстве, но и в культуре нашей страны. Особенно отчётливо это чувствуется в вокальной поэме «Петербург».

Георгий Васильевич скончался 6 января 1998 года в Москве. До конца своих дней он говорил о том, что главной задачей человека является воспитание нового поколения в служении добру. Сам композитор оставался верен высокой духовности не только в музыке, но и в жизни.

Родион Щедрин очень отличается от своих коллег. Вы наверняка слышали множество историй о том, что творческие люди могут вскочить посреди ночи и записать родившуюся в голове мелодию. Родион Константинович так не поступает. Он считает, что нужно доверять своему «мозговому сито». Если идея, которая пришла в голову в ночной час, доживёт до утра, значит, она достойна того, чтобы оказаться на бумаге…

Творчество – загадка мироздания

Не смотря на то, что Щедрин не сторонник опрометчивых экспериментов и придерживается традиционных взглядов на музыку, он признаёт, что творчество невозможно объяснить терминами логики. Так, например, однажды муза снизошла на композитора в очень стрессовой ситуации. Он подвозил друзей до железнодорожной станции вечером. Из-за гололёда автомобиль занесло, и машина оказалась в снегу по ветровое стекло. Именно в тот момент Родиону Константиновичу пришла в голову идея нового сочинения, которое он и по сей день считает одной из лучших своих работ. По понятным причинам названия он не раскрывает.

Муза по имени Майя

Композитора часто спрашивают о его музе. На все подобные вопросы Щедрин отвечает одинаково: «Майя – муза для меня». Дело в том, что Родион Константинович женат на известнейшей балерине Майе Плисецкой. Более полувека супруги живут в счастливом браке. Плисецкая не раз вдохновляла Щедрина своим творчеством и талантом на написание новых работ. Композитор с удовольствием отметил, что его жена образованна, женственна, но при этом парадоксальна и впечатлительна. Секрет столь крепкой семьи, наверное, заключается в том, что Щедрин и Плисецкая в первую очередь друг для друга друзья. Они всегда находят тему для бесед, часто обсуждают то или иное событие. Одним словом, им никогда не бывает скучно вместе. При этом, Родион Щедрин никогда не был ярым поклонником балета, шутливо уточняя, что он «не балетоман, а Майяман».

Человека нельзя научить сочинять музыку

Родион Щедрин считает, что человека нельзя научить сочинять музыку. Этому можно только научиться. Профессия композитора – дело непростое. Если проводить аналогию со спортом, то это настоящий марафон длиною в жизнь. У творчества бывает «разная погода» - иногда композитору светит солнце вдохновения, но иногда написание хорошей композиции требует таких усилий, которые не снились и профессиональным спортсменам. Без терпения и усидчивости одним талантом не обойдёшься. Хотя Родион Константинович и приводит в пример француза Клода Жозефа Руже де Лиля, который написал песню «Марсельеза» за одну ночь, при этом уточняя, что больше ничего выдающегося Руже де Лиль так и не смог создать. А в историю он вошёл как автор песни, но не как композитор. Поэтому только терпение и работа помогут преодолеть периоды творческого кризиса.

К мнению Родиона Константиновича Щедрина нельзя не прислушаться. Конечно, мы не можем жить без влияния естественных процессов развития общества, которые затрагивают и музыку. Но порой верность традициям и классический подход композитора к своей работе оказывается гораздо более важным фактором саморазвития, чем компьютерные технологии и новомодные музыкальные течения, которые всё чаще не только наполнены примитивизмом, но и совершенно деструктивны.

Родиону Щедрину 78 лет. Он остаётся самым востребованным российским композитором современности во всём мире. Едва ли не единственным! При этом возраст для него не является помехой – Родион Константинович живёт в буквальном смысле на несколько стран – работает в Германии, Литве и, конечно же, навещает Россию.

«Охота к перемене мест – весьма мучительное свойство»

Несколько лет назад Родин Щедрин отпраздновал очередной юбилей. Не побоюсь даже сказать, что это событие приобрело поистине международные масштабы. Концерты, посвящённые российскому композитору и пианисту, прошли в двух десятках стран. Творческий багаж маэстро впечатляет – Родион Константинович является автором пяти балетов («Конёк-Горбунок», «Кармен-сюита», «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой») трёх симфоний, множества произведений для оркестра, фортепиано и хора. В СССР большим успехом пользовались его оратории и кантаты «Бюрократиада», «Ленин в сердце народном» и «Поэтория». Не говоря уже о том, что он и по сей день пишет камерную музыку.

Трудно представить, что человек в таком возрасте не только активно занимается творчеством, пишет музыку и продолжает радовать ценителей высокого искусства. Композитор даёт концерты в Европе и США, а на вопрос «где вы больше всего проводите времени?» отвечает с улыбкой – «в самолёте». Более того, Щедрин не жалеет о таком непростом образе жизни, подчёркивая, что ему приятно работать и в 78 лет, хотя и признаёт, что Пушкин был прав, говоря о том, что охота к перемене мест – весьма мучительное свойство.

Не забывая о России…

Многие артисты и композиторы, которые смогли добиться международного признания, давно покинули нашу страну, в которой государство не уделяет никакого внимания культуре, как таковой, и музыкальной – в частности. Родион Щедрин, хоть и востребован за рубежом, работает с настоящими профессионалами в Германии и Америке, но про Россию не забывает. В частности, именно в Москве состоялась премьера оперы «Боярыня Морозова». Журналисты, конечно же, недоумевали – зачем такому успешному человеку делать премьеру именно у нас, когда за границей готовы сделать всё? На подобные вопросы Родин Константинович отвечал, что в этой опере поднимается исконно русский конфликт, когда люди добровольно жертвовали своими жизнями и отстаивали право креститься двумя, а не тремя пальцами. И главная героиня оперы сама выбрала мучительную смерть от голода и жажды в земляной яме.

Многие были удивлены, когда узнали, что Родион Щедрин самостоятельно пишет либретто для собственных музыкальных сочинений. Композитор придерживается мнения, что это на самом деле вполне естественно. И здесь нельзя не вспомнить слова композитора и дирижёра Арнольда Шенберга, утверждавшего, что лучшим либреттистом для композитора может быть только сам композитор. Щедрин согласен с таким утверждением, подавая пример другим композиторам, которые не решаются попробовать свои силы в написании либретто.

Компьютер для него – вещь бесполезная

Думаю, не секрет, что в мире музыки меняется всё. Изменения стали особенно стремительными с приходом в искусство современных технологий. Композиторов, которые игнорируют компьютерные возможности при написании музыки, всё меньше. Но Родион Щедрин в этом вопросе принципиален. При этом он прекрасно отличает «компьютерную музыку», слышит её буквально с первых нот. Родион Константинович однажды сказал, что ни один современный компьютер не может быть устроен совершеннее, чем мозг человека. Те, кто всерьёз занимается классической музыкой, не будут следовать «техническому прогрессу», поскольку такого рода творчество никогда не потерпит ничего искусственного. Композитор придерживается мнения о том, что прогресс является противником такой интимной сферы как музыка. Как можно прочувствовать музыку, если за композитора всё сделала неживая машина? Современные дети не знают ни Пушкина, ни Чайковского, но уже с ранних лет разбираются во всех тонкостях компьютера. Будто в утробе матери они уже переписывались по электронной почте.

Возможно, кому-то эта позиция покажется радикальной, но рациональное зерно в таких словах есть. Музыка Радиона Щедрина живая, она заставляет биться сердце сильнее или замирать от высокого градуса драматизма. В таком контексте с ним действительно трудно спорить. Достаточно взглянуть на современную поп-музыку: это «творчество» дарят компьютерные технологии, и качество большинства песен оставляет желать лучшего. Комментарии тут излишни.

Продолжение следует…

Максим Дунаевский является одним из немногих композиторов России, который прекрасно чувствует и разбирается в тонкостях музыкального театра. В последние годы он всё чаще сочиняет мюзиклы и по-прежнему отказывается сотрудничать с представителями отечественной поп-сцены. После оглушительного успеха мюзиклов «Ромео и Джульетта» и Notre dame de Paris в музыкальной среде заговорили о необходимости создания отечественных мюзиклов. На дворе конец 2011 года, а слова так и остались словами. Максим Исаакович такому положению дел совсем не удивляется, поскольку творческий кризис современной русской музыки распространяется далеко за пределы эстрады.

Основной зритель — дети от 10 до 16 лет

Максим Дунаевский считает, что за последние лет 10-15 произошла резкая смена ценностей, изменилось всё — вкусы аудитории, способ подачи музыкального материала и само отношение к музыке. В СССР главной проблемой была всепоглощающая цензура — если худсовет не одобрял песню или композицию, то композитору приходилось либо мириться с такой несправедливостью, либо подстраиваться под формат. Но советский формат песни, которая «строить и жить помогала» имел один весомый плюс — сплачивание народа. Массовая песня в СССР несла в себе заряд «коллективизма», и деструктивного в ней было не так много.

Но Россия изменилась. Наше общество стало более индивидуализированным. Балом правит субъективизм. С одной стороны, это замечательно. Появилась почва для экспериментов, которые раньше были невозможны. Мнение любого меньшинства может быть услышано и поддержано. Поэтому если раньше песни можно было разделить по «социальным направлениям», то сегодня музыка строго делится по возрастной аудитории. Как бы прискорбно и примитивно это ни звучало. Эстрада, музыка в кино и музыкальный театр полностью скопировали американскую модель. Сегодня положение дел таково, что советскую эстраду предпочитают люди в возрасте, современная музыка интересует исключительно молодёжь. К сожалению, основным музыкальным потребителем поп-музыки стали дети 10-16 лет. Максим Исаакович с грустью отмечает, что и музыка, востребованная в наши дни, примитивна во всех смыслах.

А как можно компенсировать примитивизм? У композитора есть однозначный ответ и на этот вопрос. Чтобы хоть как-то привлечь более взрослую аудиторию, артисты используют в своих образах эротику. Но ведь с музыкой она не имеет ничего общего. Поэтому главной бедой для тех, кто хотел бы нести творчество в массы (именно творчество!) является уже даже не отсутствие денег или связей (Интернет подарил композиторам невообразимые возможности), а то, что российская сцена находится во власти жанра, взывающего к самым низменным потребностям человека. И этот жанр весьма воинственен и агрессивен. Поэтому порой задумываешься над необходимостью возвращения худсоветов и в наши дни.

«Голливуд закрыт для тех, кто ничего не умеет»

Максим Исаакович часто проводит параллели с музыкальной культурой США. Композитор прожил в Америке девять лет и заявляет, что там никто и никогда не допустил бы той безвкусицы как у нас. Почему в России до сих пор не создано ни одного мюзикла, который захотели бы показать, например, на Бродвее? Дунаевский придерживается мнения о том, что у нас практически нет композиторов, которые владеют тонкостями постановочных особенностей мюзикла. То, что идёт в московских театрах, превращается, как правило, в пьесу с плохо исполняемой музыкой или в анархичную самодеятельность.

Ещё одним фактором, тормозящим развитие музыкального театра, является отсутствие «профильных» залов. Наша публика не «приучена» к тому, что один спектакль может идти в театре очень долго. На Бродвее это в порядке вещей. Максим Дунаевский считает, что в России было бы идеальным создание «театра мюзикла», в котором бы шли две-три постановки. Кроме того, нужно время, чтобы зрители привыкли к такому формату.

Максим Исаакович считает, что подтверждением его слов может служить Московский театр оперетты. Думаю, все уже не раз читали статьи о том, что оперетта мертва. Но зрители ходят в этот театр и по сей день. Жанр живёт. Нет никаких причин опасаться за его будущее. Точно такая же формула поможет воспитать в нашей стране «культуру мюзиклов». Поэтому Голливуд и считают закрытым для всех российских постановок. Уровень качества не тот. Но не обольщайтесь — в этом вопросе нет ни политики, ни «недобросовестной конкуренции». Просто Голливуд закрыт для тех, кто ничего не умеет.

Слова Максима Исааковича Дунаевского подтверждают и моё мнение о том, что у композитора всегда есть выбор. Не смотря на тотальный творческий кризис в России, люди пишут музыку, занимаются творчеством и не играют в игру под названием «шоу-бизнес». Вот только жаль, что настоящее музыкальное искусство и способность отличать плохую музыку от хорошей не прививается молодому поколению.

Как здорово, что российское телевидение всё ещё поддерживает телеканал «Культура»! И как замечательно, что наконец-то начали появляться на этом телеканале профессиональные конкурсы, действительно открывающие миру талантливых музыкантов-исполнителей! И как приятно сознавать, что эти состязания приобщают к классической музыке всё больше и больше зрителей. Конечно, с заполонившей всё и вся попсой тягаться сложно, но, я считаю, что «Культура» движется в правильном направлении. Только такими, заимствованными у «противника», методами можно этого самого противника потеснить с доминирующих позиций. Хочется верить, что Конкурсом молодых оперных исполнителей «Большая опера» просвещение народонаселения не ограничится, потому, как читать на YouTube комментарии под роликами-фрагментами этого конкурса уже даже и не смешно. Пропасть, которая отделяет людей от классики, лично в меня вселяет настоящий ужаст. Оказывается, люди настолько далеки от того искусства на которое им открывают глаза, что не могут отличить оперного певца от попсового исполнителя! Судя по комментариям, недоразвитие в культурном плане девочки и мальчики не могут не то что «переварить», но даже просто воспринять большое искусство. Такое ощущение, что в головах у них DOS, а Blu-Ray им дают для восприятия. И вот здесь у меня лично возникает вопрос: «Почему в послевоенном и полуразрушенном СССР культура развивалась, не смотря на разруху? А современная культура на поверку оказывается обыкновенной помойкой?» Следом за вопросом приходит и ответ: «Потому, что по радио постоянно транслировались лучшие образцы классической музыки, спектаклей, тогдашней эстрады. А сегодняшнее радио наполнено пошлостью, бездарными попевками и безголосыми отбросами эстрады!» Тогда не было телевизоров, а вот говорящая и поющая радио-«тарелка» была почти в каждой семье. Молодые люди и подростки, не обучаясь в музыкальной школе, наизусть знали арии из опер! И это поколение восстанавливало и развивало нашу страну. Сейчас мы целенаправленно разрушаем то, что создавалось великим трудом и любовью наших предков.

Сегодня мир переполнен ненавистью, завистью, нетерпимостью. И всё это — следствие разрушения культуры. А закон её сохранения прост: чем больше человек знает, чем больше может воспринять, тем меньше места в его душе негативизму и прочему разрушительному. Давно и общеизвестно, что классика настраивает на созидание, а не на разрушение. Даже растения весело пускают новые побеги, если фоном для их культивации служит бессмертная музыка Моцарта. А бурёнки прекращают давать молоко, если им включали тяжелый рок. Всё это — научные факты. Поэтому я верю, что телевизионный конкурс молодых оперных исполнителей «Большая опера» откроет души многих зрителей навстречу прекрасному, доброму, вечному и созидающему!

Чувство гордости переполняет меня от того, что у нас в стране есть такие замечательные голоса — достойная смена мастодонтам оперной сцены, пик творческой славы которых пришелся на Советское время. А ведь в конкурсе принимает участие лишь небольшая часть талантливой России! Помните фильм, старый чёрно-белый фильм «Приходите завтра»? Уверен, что образ сибирского самородка Фроси Бурлаковой в российской глубинке имеет своих прототипов и сегодня. Надо только суметь отыскать их, поддержать, направить. Быть может, «Большая опера» вселит в них надежду, и кто-то отважится продемонстрировать себя пусть не в Москве, пусть не на канале «Культура», но человеку искусства, который (как знать?!) подскажет им верный путь к раскрытию таланта и не позволит угаснуть дару божьему.

Я начал смотреть конкурс не с самого начала. Моё погружение в «Большую оперу» началось с состязания Олега Полпудина и Сергея Плюснина. И, честно говоря, я оторопел от услышанного. Подобно чуду было открытие мною молодых исполнителей, и не где-то за границей, а у нас в России! Затем я познакомился с выступлениями других участников конкурса: Евгения Кунгурова, Александра Миминошвили, Вероники Джиоевой, Ларисы Андреевой, Александры Ковалевич, Евгении Ширинянц. Благо, Интернет и сайт телеканала «Культура» даёт возможность пересматривать и переслушивать конкурсные выступления по многу раз. Это, кстати, и помогло мне утвердиться в первоначальных предпочтениях. Все артисты хороши, но для себя я особо выделяю Сергея Плюснина, Александра Миминошвили, Александру Ковальчук и Веронику Джиоеву. Но это моё личное предпочтение. Вообще, у всех конкурсантов большое будущее, и я желаю им всем «попутного ветра» в их путешествии по миру музыки.

Неподражаемы и ведущие конкурса Святослав Бэлза и Алла Сигалова! А имена и титулы постоянных членов жюри не позволяют усомниться в том, что их суд компетентен и в высшей степени профессионален: оперная певица народная артистка СССР Тамара Синявская, генеральный директор Латвийской Национальной Оперы Андрейс Жагарс, профессор Академии хорового искусства, художественный руководитель Молодежной оперной программы Большого театра России Дмитрий Вдовин. Возглавляет же певческое судейство звезда мировой оперной сцены, народная артистка СССР Елена Образцова. В качестве приглашенных членов жюри выступают деятели культуры и искусства.

Режиссёр-постановщик — руководитель театра «Геликон-Опера» народный артист России Дмитрий Бертман. Участники проекта «Большая опера» выступают в сопровождении камерного оркестра Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского под управлением Феликса Коробова.

Хочется пожелать не только участникам, но и устроителям конкурса: не останавливаться на достигнутом, а идти дальше! Искать новые идеи по-настоящему просветительских и культурных музыкальных состязаний. Как знать, возможно, не за горами и конкурс современных композиторов. Вот это было бы также весьма и весьма интересно. Не хочется верить в то, что веками сложившаяся традиция «хороший композитор — мёртвый композитор» будет продолжать жить и дальше, а дирижёры и оркестры всё также не будут браться за исполнение произведений современников. На мой взгляд, сегодня пришло время ломать эту традицию. Здесь, быть может, и кроется одна из причин доминирования попсы над настоящим и вечным искусством.

Наверное, трудно себе представить – что случилось бы с музыкальным театром в нашей стране, если бы не Максим Дунаевский – сын великого композитора Исаака Дунаевского и по сей день остаётся одним из главных экспертов в своей области. А ведь судьба Максима Исааковича могла сложиться совсем по-другому: в его репертуаре были кантаты и сонаты, но любовь к музыке в театре оказалась намного сильнее.

«Федот», причём именно тот

Когда в прессе говорят о Максиме Исааковиче, невольно возникает вопрос – легко ли быть сыном столь знаменитого отца?  Ведь за спиной о себе напоминают былые заслуги Исаака Дунаевского – определённая «планка качества», которую ни в коем случае нельзя понижать. Но, как говорит сам Максим Дунаевский, для него не было иной альтернативы, кроме как посвятить себя музыке. Он начал учёбу на теоретико-композиторском факультете музыкального училища при Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского, сразу же погрузился в искусство с головой. Благодаря таланту педагогов Андрея Эшпая, Альфреда Шнитке, Тихона Хренникова, Николая Ракова и Дмитрия Кабалевского Максим Исаакович получил отличное профессиональное образование. Как вспоминает композитор, поначалу, естественно, интерес вызывала его фамилия, но со временем пришлось упорно трудиться и доказывать всем, что «ты Федот, причём именно тот».

Театр плюс ТВ

Переломным моментом в судьбе Максима Дунаевского стало приглашение поработать музыкальным руководителем в театр при МГУ. В тот момент композитор понял, что не мыслит свою жизнь без театра и все его композиции того времени писались исключительно для театральной сцены.

Одной из по-настоящему удачных работ на заре его профессиональной карьеры была музыка к фильму «Синие зайцы» режиссёра Виталия Аксёнова. К сожалению, музыкальная картина не сыскала большой популярности у советского зрителя, но именно в работе над ней Дунаевский получил необходимый опыт.

Максим Исаакович написал музыку более чем к 30 фильмам, среди которых «Д’Артаньян и три мушкетёра», «Ах, водевиль, водевиль», «Мэри Поппинс, до свидания!», «В поисках капитана Гранта», «Мушкетёры двадцать лет спустя», «Граница. Таёжный роман (сериал)», «Двенадцать стульев (картина 2005 года)», «Парк советского периода» и многие другие.

«В России шоу-бизнеса нет!»

Максим Дунаевский охотно обсуждает современное музыкальное искусство. Он никогда не стремился стать частью «тусовки», поскольку считает, что в России шоу-бизнес, как таковой, отсутствует. Профессионалы отечественной музыкальной индустрии очень разобщены. Возможно, в этом и кроется беда современности. Дунаевский, глядя на представителей русской поп-музыки, недоумевает – как можно выпускать на сцену людей, которые к музыке не имеют никакого отношения, а также не в состоянии отделить «плохое» от «хорошего»? Однажды он даже вывел универсальную формулу «звёздности»: берётся мальчик с улицы, в которого вкладывается 500 тысяч долларов. И всё – «звезда» готова!

Поэтому, по словам Дунаевского, не совсем верно принимать то, что творится на эстраде, за шоу-бизнес. Максим Исаакович подчёркивает, что будь у руля российской музыки профессионалы, они бы действовали по-другому. Конечно, необходимо прислушиваться к зрителю, чувствовать его, тренировать собственную интуицию, но главное – способность создавать нечто особенное. Задача композитора – передать простым людям на языке нот ощущение времени. Если композитор справился с этим, его творение никогда не станет однодневкой.

«Поток музыки захлёстывает слушателей как мутное цунами»

Максим Дунаевский работает сейчас исключительно в своё удовольствие. Иными словами, занимается только тем, что ему интересно. На большую сцену попасть не стремится, поскольку крайне негативно отзывается о тех, кто ею нынче управляет. Композитор подчёркивает, что зрители каждый день вынуждены любоваться на «когорту слабо поющих и слабо понимающих музыку людей». Как можно в этой компании заниматься настоящим творчеством? Вспоминая СССР, композитор хоть и соглашается с тем, что была жуткая цензура, но отмечает, что в прошлом в худсоветах артистов прослушивали настоящие профессионалы. Сейчас большинство вопросов решаются (или не решаются) исключительно благодаря спонсорской помощи. И чем проще и примитивнее товар, который можно продать, тем больше продюсеры пытаются искоренить в молодёжи чувство прекрасного, а также способность воспринимать настоящую музыку…

Продолжение следует…